En estos días, las cámaras de vídeo y los software de edición son las únicas herramientas necesarias para hacer videos caseros. Eso si, siempre es ideal seguir algunas pautas básicas, así con estas herramientas puede resultar  un video hecho en casa de muy alta calidad.

El primer paso en la edición digital es descargar las imágenes de la cámara a la computadora. Las imágenes se pueden dividir en archivos más pequeños para ser más manejables, y luego es indicado utilizar un programa de edición como Adobe Premiere, esto ayuda muy bien a cargar el material grabado en la computadora.

Una vez que el material de archivo es subido, las imagenes deben ser muy bien elegidas, para esto se recomienda hacer un pietaje del material y así saber de antemano cuales son las imagenes que se usarán y en que tiempo de grabación se encuentran. Esto es sólo una cuestión necesaria para encontrar los mejores ángulos de la grabación. Las capturas de imagenes entonces pueden ser arrastradas a una línea de tiempo para que se acoplen y así vayan dando forma a la película.

Con estos tres pasos, un video casero puede ser creados muy fácilmente, es más es una buena estrategia para que los músicos faltos de recursos puedan crear los mejores videos musicales con muy pocos fondos.

Por supuesto, existen otras medidas que se pueden tomar en cuenta para mejorar la calidad de la edición de vídeo. Las transiciones suaves se deben insertar entre escena y escena para así crear una secuancialidad en el video de principio a fin. La mayoría de los software de edición tienen incorporadas las características de transición de imagenes – disolvencia, desvanecimiento y otros más – que se pueden arrastrar entre dos clips dentro de la línea de tiempo.

Por otro lado, los videos caseros tienen varias fuentes de sonido, incluyendo los sonidos naturales, conversaciones, música de fondo y la narración. Un vídeo casero sin editar sólo tiene la primera fuente de sonido. La música puede crear ciertos sentimientos en el espectador y cambiar el tono de toda la secuencia, mientras que la narración se puede utilizar para aclarar los puntos confusos o para explicar lo que está pasando. Estas fuentes de sonido pueden hacer que la edición de vídeos casero parezca mucho más profesional.

La música debe ser importada en un archivo de sonido y mezclada con la pista de sonido original del vídeo. Un sonido u otro se puede desvanecer con el software de edición de vídeo para que ambos puedan ser utilizados al mismo tiempo. La narración debe ser leído frente a la cámara y luego se puede separar de la pista de vídeo. Una vez grabada la narración esta puede ser subida a la línea de tiempo, junto con la música.

Existen tres programas gratuitos de edición digital para PC que puede hacer de este proceso algo más simple, ellos son Windows Movie Maker, Avid Free DVD y Virtual Dub.

Windows Movie Maker es útil para cortar las tomas innecesarios, y es de fácil manejo para principiantes. Avid Free DVD es un poco más complejo, pero tiene características útiles para el ajuste de vídeo, edición de audio y creación de títulos. VirtualDub es un programa rápido con capacidades especiales para ajustar el brillo o la claridad de las imágenes. Para usuarios de Mac, encontramos iMovie el cual es bien conocido como un software de fácil uso para cualquier nivel de edición de vídeo.

Fuente: Algunos consejos para la edición de videos caseros

El término fue acuñado por los críticos de cine justo después de la Segunda Guerra Mundial. Después de este suceso mundial, los críticos de cine francés notaron un cambio en las películas norteamericanas mientras se dedicaban a estudiar cine internacional. Muchas de las películas ya no eran con hechas con temáticas optimistas, algo que prevalecía antes de la guerra.

En este momento aparece un cine que parece ser más oscuro y más pesimista, en perspectiva. Era como si Hollywood se hubiera dado cuenta de las duras realidades del mundo y los horrores de la guerra. Aunque algunos cineastas, trataron de hacer comedias románticas alegres después de las atrocidades de la guerra.

El cine negro o Film Noir era la otra cara de la vida. Condenado héroes, gente manipuladora y ocultos intereses personales y políticos en diferentes circunstancias. La iluminación utilizada en el cine negro era muy oscura, creando largas sombras y atmósferas claustrofóbicas que impregnaban a las películas de Cine Italiano, Francés y Norteamericano.

Los personajes de cine negro de la década de 1940 siempre parecían estar establecidos en la oscuridad, bañados porel humo de las habitaciones llenas, como moscas atrapadas en telarañas.

El fatalismo jugaba un papel importante en las producciones cinematográficas del cine negro. Los héroes en estas películas parecían estar en un camino que conducía a su caída. Por lo general, eran personas comunes y corrientes que fueron atrapadas en coincidencias graves o lamentables.

Un gran número de estos incidentes fatalista fueron instigados por el concpto de la femme fatale. La mujer fatal fue una imagen de mujer que nunca se había visto antes. Ella era la significacón del deseo, la cuota inicila de la caída del protagonista, la tentación latente a la desesperación. Ella podría atraer a un hombre y acabar con sus propios fines.

En el cine negro, los roles dentro del género cambian notablemente, la mujer suele ser de carácter más fuerte, inclinada a una especie de villano.

La mujer fatal era imposible de resistir. Ella destruye la noción de los valores familiares dentro de la estructura de la sociedad. Ella estaba allí para llevar la emoción y el peligro. La femme fatale mostró que en los valores superficiales no se puede confiar.

El Cine negro pasó por un declive a finales de 1950 pues se empezaron a crear producciones nuevamente más optimistas. La economía estadounidense estaba en auge, y las películas oscuras ya no estaban en boga. En este momento en cine y televisión se dividieron completamente y el cine negro y sus historias oscuras fue expulsado de las series televisivas de comedia de TV y los musicales de Elvis.

A partir de los años setenta, un renacimiento en el cine negro estaba empezando a tener lugar. El feminismo fue en aumento, y los gobiernos una vez más se presentan como entidades en las que no se podía confiar. Vietnam y el escándalo Watergate habían llevado a que el público se interrogará y el cine comenzó a reflejar esto.

De esta manera, la gente estaba consternada y desconfiada del gobierno, y muchos sintieron una sensación de alienación y extravío. Un buen ejemplo del renacimiento del cine negro se puede ver en 1976 con la película de Martin Scorsese, Taxi Driver. Otros ejemplos más recientes del cine negro incluyen Chinatown, Body Heat (Fuego en el cuerpo), Blade Runner, y más recientemente, la excelente producción The Last Seduction (La Última Seducción).

Fuente: El Cine Negro o Film Noir

Además de su uso para el entretenimiento, la animación se considera una forma de arte. A menudo este arte participa y es premiado en festivales de cine en todo el mundo. También se usa para los propósitos educativos, como ya habiamos mencionado, la animación tiene un lugar en el aprendizaje y las aplicaciones de enseñanza en la actualidad.

La historieta es considerada a menudo como la animación en su forma más clásica. Los dibujos animados hicieron su debut en la primera parte del siglo 20, y se inició por el uso de 24 diferentes dibujos por segundo, así como la televisión que funciona a 24 cuadros por segundo. En los dibujos animados tradicionales, los marcos son dibujados a mano.

La animación lleva mucho tiempo su realización y es muy costosa su producción. Por esta razón, la mayoría de la animación para televisión y cine es producida por estudios profesionales. Sin embargo, también hay muchos trabajos de animación independiente. De hecho, hay muchos recursos, tales como programas de animación de bajo costo y redes de mercado y distribución, que ayudan al animador independiente a realizar un trabajo mucho más fácil de lo que era en el pasado.

Cuando se utiliza la animación para el cine o en películas, cada cuadro se produce sobre una base individual. Los marcos pueden ser producidos utilizando equipos o fotografías de las imágenes que se están dibujado o pintando.

Los marcos también se puede generar mediante la alteración de una unidad modelo en formas pequeñas o utilizando una cámara especial para tomar imágenes de los resultados. No importa el método que se utilice, la idea es que la producción sea capaz de engañar al ojo para que vea movimiento continuo.

Aunque el trabajo de producción de películas animadas y dibujos animados puede ser intenso y laborioso, la animación por ordenador puede hacer el proceso mucho más rápido. La tecnología informática está en constante mejora, y los profesionales son capaces de crear personajes como en la vida real gracias al uso de computadoras y software de animación especial.

Sin embargo, los animadores cualificados siguen siendo necesarios para la producción de animaciones de calidad. Después de todo, las computadoras todavía no son capaces de tomar decisiones artísticas y poner verdadera pasión a las imágenes.

Fuente: Conceptos básicos sobre la Animación

Google ha estado tratando de convercer a los estudios y a las de redes de mercadeo de este campo artístico sobre la importancia de una transmisión y servicio internacional, esto es lo que propone el servicio de películas bajo demanda vinculada al motor de búsqueda más popular del mundo.

Google ha estado probando el servicio de rentar películas desde enero con estudios independientes, y las negociaciones con los grandes estudios llevan unos meses, pero al parecer se están apurando a concertarlas en vista al posible anuncio de iTV de Apple esta semana. El argumento principal para convencer a los estudios, según una fuente cercana a las negociaciones que “Google y YouTube son un fenómeno global con un montón de ojos, muchos más que cualquier servicios de cable o satélite [...] es un número enorme”, y ante las bajas en ventas de DVDs, seguramente a los estudios esto los convenza de sumar un nuevo canal donde comercializar sus producciones.

Las negociaciones han estado en curso durante varios meses, pero han adquirido una mayor importancia en las últimas semanas, en medio de la intensificación de la competencia entre compañías de medios y la tecnología sobre la distribución digital de películas y programación de televisión. Apple esta semana espera dar a conocer las mejoras de su dispositivo de televisión, que conecta la sala de estar con el Internet a través de varios tipos de topologías de red, finalmente, espera abrir un dispositivo a “aplicaciones” a los desarrolladores.

El proyecto de Google ha provocado entusiasmo en Hollywood porque los estudios de cine están buscando nuevos ingresos para reemplazar las ventas de DVD de las diferentes producciones cinematográficas, que van en fuerte declive.

Esta es Película de ciencia ficción. Su protagonista (Leonardo DiCaprio) experimenta con un nuevo sistema para penetrar en la mente de las personas, haciéndose con sus secretos más profundos. En teoría ello debe facilitar el trabajo de la justicia, pero plantea numerosas cuestiones morales. Una joven estudiante (Ellen Page) es la impulsora del proyecto.

Por otro lado esta producción se destaca entre otras películas de ciencia ficción y acción por ser un maravilloso thriller de ciencia-ficción, un salto hacia el futuro en el campo de los efectos especiales, fotografía artística y una aventura compleja y excepcional, encauzada en la mente de los protagonistas.

LO MEJOR: El planteamiento, no tan original como dicen algunos, pero si lo bastante llamativo como para crearnos un interesante argumento donde se mezclan realidad y sueño. También un plantel de actores destacado y correcto en todo momento, aunque sus presencias sean simples cameos (porque lo de Michael Caine son unos pocos minutos y para de contar) Y el apartado visual, con escenas tan alucinantes como cuando los sueños se repliegan sobre si mismos.

LO PEOR: Es demasiado larga, y el ritmo se resiente de ello en no pocas ocasiones. Una duración inferior (2 horas) hubiera redondeado un resultado final que peca de abigarrado y excesivo, lo cual por momentos causa más desinterés que atención.

Título: Origen
Título original: Inception
Dirección: Christopher Nolan
País: Reino Unido, Estados Unidos
Año: 2010
Fecha de estreno: 06/08/2010
Duración: 148 min.
Género: Thriller, Acción, Ciencia ficción
Reparto: Leonardo DiCaprio, Ken Watanabe, Joseph Gordon-Levitt, Marion Cotillard, Ellen Page, Tom Hardy, Cillian Murphy, Tom Berenger, Michael Caine, Lukas Haas
Distribuidora: Warner Bros. Pictures
Productora: Warner Bros. Pictures, Syncopy, Legendary Pictures

Y si bien desde entonces esa técnica y tipo de historias fue lo que se impuso como el estándar del cine infantil (confinando la animación en dos dimensiones y los relatos simples e inocentes a la televisión), lo que ha conseguido esta película pionera y modelo, primero con su continuación, en 1999, y ahora con esta tercera entrega, no ha sido igualado por ninguna de su tipo. Sobre todo esta última se ve beneficiada por el completo conocimiento que el espectador tenía de los personajes, el universo y la lógica de la saga. Por eso, con ese terreno ya avanzado, Toy story 3 pudo ocuparse de profundizar más en el sentido de la trama y en sus personajes.

Ante este panorama, por lo difícil que sería escoger cuál de las tres entregas es mejor, es preferible hablar de ella como una sola, por la continuidad que le han dado a sus componentes, por su grado de elaboración en aumento y por el tono y el nivel que se sostiene a lo largo de las tres. No obstante, de acuerdo con esta lógica, la tercera parte sería la de mayor intensidad y en la que mejor conocemos a los personajes y, por ello, sus acciones y las relaciones que tienen entre sí son más significativas.

Por eso en esta última película su eterno conflicto, que ya de por sí trascendía hacia lo existencial, se hace aún más duro y complejo, pues a la dificultad de llevar la vida aceptando su naturaleza de juguetes, se le suma el hecho de que son los juguetes de alguien que ya no es un niño. Y para ajustar, se sienten despreciados y van a dar a algo muy parecido al infierno de los juguetes. Pero los conflictos que tienen que enfrentar no sólo son existenciales y emocionales, sino también los propios de un relato de acción y aventuras, por los villanos a los que tienen que vencer y los casi infranqueables obstáculos que deben sortear.

Saberse caducos y abandonados por su dueño dispara los sentimientos de cada uno de los juguetes, entonces afloran las crisis emocionales y las dudas existenciales. Incluso llega el momento en que pierden su identidad, no sólo como juguetes de Andy, sino en general, cuando son torturados en aquella guardería. Entonces se dan cuenta de que lo único que tienen en la vida es a ellos mismos, a esa amistad de fuertes lazos que los ha convertido en una familia, y ese es el sentimiento que cruza todo el relato y la sólida construcción de los personajes.

A este conflicto interno se le suma el externo, representado por la aparición, por vez primera en la saga, de un villano propiamente dicho, el oso Lotso (que huele a frutas), que además tiene un “brazo armado”, el bebé gigante. Como siempre, ese conflicto externo tiene que ver con desplazarse de un lugar a otro, juntos y sin que los humanos los vean cobrar vida, y con estos dos maléficos personajes el problema se potencia. Pero lo que hay que resaltar aquí es que incluso estos villanos, que generalmente el cine tiende a construirlos esquemáticamente, son tratados con sustancia y solidez, creándoles una historia y una dimensión sicológica. En especial llama la atención cómo consiguen hacer del bebé gigante a un personaje ambiguamente perturbador.

Estamos, pues, ante una pieza de gran valor cinematográfico y tremendamente divertida y entretenida, no sólo para el público infantil sino también para el adulto, que incluso la puede disfrutar más. Es decir, un filme que sabe combinar arte e industria, así como elementos para satisfacer a todos los públicos y empresas modelos para conseguir este tipo de retos, lo cual es un logro alcanzado por muy pocos.

Posdata: El corto que siempre precede las películas de Pixar, esta vez uno titulado Día y noche, tal vez también es el mejor que se ha hecho, pues de forma insólita combina animación en 2D y en 3D, con un derroche de ingenio y humor desarrollando una idea de peso.

Publicado el 27 de junio de 2010 en el periódico El Colombiano de Medellín.

En países como Colombia hace ya varios años se avaló una sentencia de ley que apoyaba a los diferentes realizadores y productoras cinematográficas, esta es la ley 814 de julio 2 de 2003 en donde el gobierno colombiano, al frente del Ministerio de Cultura y Comunicaciones, ofrece facilidades en impuestos y renta a aquellas empresas personas jurídicas o naturales que opten por invertir fuertes sumas de dinero en la creación, producción y distribución de obras del séptimo arte.

Fuera de estos beneficios gubernamentales quienes inviertan en este arte tienen la posibilidad de sacar ganancias y resultados muy rentables, todo gracias al fuerte posicionamiento que el cine colombiano ha ganado en el mercado audiovisual local y continental, además este es un producto que se ha estado metiendo poco a poco en los ojos y oídos del consumidor europeo, esto se sustenta en la gran cantidad de premios internacionales que ha ganado el cine colombiano y latinoamericano en el viejo continente, que son un espaldarazo tanto para productores, cineastas e inversionistas.

Un ejemplo muy claro de este proyecto de inversión en cine lo podemos apreciar en Argentina, en donde el séptimo arte ha estado altamente desarrollado en las últimas dos décadas. En el sur del continente existe una empresa que recibe el nombre de Invertfilm, la cual es una industria dedicada a la distribución de dinero para la realización de cortos y largometrajes, que a su vez recibe apoyos monetarios de ambas partes de la sociedad, el sector público y el sector privado.

Por el lado de México, quien se puede considerar como el país latinoamericano con la industria del cine más desarrollada y con una larga experiencia en este campo de las artes, en donde la organización IMCINE se encarga de fomentar y financiar las diferentes producciones cinematográficas de manera tal que muestren y expresen al mundo entero la configuración social e histórica del país Azteca. Además de promover la producción audiovisual y la creación de nuevas obras cinematográficas, IMCINE es una gran fuente generadora de empleo, se puede hablar de una generación anual de más de 500.000 puestos de trabajo directamente con el cine manito, pero eso sí a personas calificadas para el desarrollo de este arte.

Así podemos apreciar entonces que invertir en cine más que un apoyo al arte es una gran fuente de ganancias monetarias y, como está claro, es una opción muy rentable para ganar dinero. Es algo que está aplicándose en todo el mundo pues el séptimo arte se ha convertido en el mejor medio para mostrar un país, una cultura, una forma de ser y una configuración social en donde se pueden encontrar grandes oportunidades de progreso y desarrollo tanto económico como social.

Fuente: http://www.invertirforex.com/

Autor: Carlos Andrés Pérez Bernal.

El drama carcelario ha logrado meterse en el bolsillo a público, crítica y academia. La noche del cine español la coronó como la película del año con ocho de los ‘cabezones’ más deseados. Mejor película, mejor director, mejor actor, mejor actor revelación, mejor actriz de reparto… Ni ‘Ágora’, ni ‘El secreto de sus ojos’, también favoritas, consiguieron arrebatarle protagonismo a un filme que ya ha sido visto por millón y medio de espectadores.

Para Mozón, sin duda uno de los pilares del éxito son las interpretaciones. “La elección del reparto es clave. Sin ellos, no sería la película que se está viendo en las pantallas”, sentencia Monzón. No en vano, se ha llevado los ‘cabezones’ a mejor actor, mejor actor revelación y mejor actriz de reparto.

‘Celda 211″ conecta con el espectador y ha sido el ‘boca a boca’ el que ha llenado las salas de cine. Alberto Ammann también se deshace en elogios con la película que le ha catapultado al Goya a mejor actor revelación en su primer papel. “Desde mi punto de vista es un peliculón que tiene momentos realmente magistrales”, cuenta Ammann. Aún estáis a tiempo para disfrutar de un motín carcelario de alto voltaje.

Sinopsis: Juan, funcionario de prisiones, se presenta en su nuevo destino un día antes de su incorporación oficial. Allí, sufre un accidente minutos antes de que se desencadene un motín en el sector de los FIES, los presos más temidos y peligrosos. Sus compañeros no pueden más que velar por sus propias vidas y abandonan a su suerte el cuerpo desmayado de Juan en la Celda 211. Al despertar, Juan comprende la situación y se hará pasar por un preso más ante los amotinados. A partir de ese momento, nuestro protagonista tendrá que jugársela a base de astucia, mentiras y riesgo, sin saber todavía qué paradójica encerrona le ha preparado el destino.

La historia, de corte fatalista, critica la escasa calidad de vida de los presos y pone el dedo en la lacra de la inmoralidad de los métodos empleados por las autoridades cuando deciden que el fin justifica los medios. Pero es en la puesta en escena carcelaria en donde el fin destaca dentro del panorama del cine español. Hay buen ojo y mucho sentido del ritmo y del encuadre. Ya desde las primeras imágenes, de un realismo impresionante, el espectador queda avisado de que va a ver un drama sólido, con altas dosis de violencia.

Y no es caprichoso el uso del término patriotero, como el criterio aplicado para preferir esta película, en lugar del de patriota. Este último tiene que ver con el amor a la patria, mientras el primero es un alardeo excesivo de patriotismo. Porque eso es lo que se puede ver en Zona de miedo, un relato que únicamente alardea con lo duro que lo pasan los marines en Irak, lo valientes que son y cómo se sacrifican por, no sólo su país, sino por “el mundo libre”, como les gusta decir.

Pero lo que se ve es una historia protagonizada por el típico héroe descerebrado que actúa impulsado por una falsa noción de lo que es la valentía, la cual generalmente confunde con estupidez y arbitrariedad (hay que ver lo poco que le importa la opinión de su equipo). Es como los hombrecitos tontos del programa Jackass, que se someten a peligrosas pruebas que les causan heridas y dolor, sólo para diversión de la audiencia. Así mismo es la mentalidad de este “héroe” que desarma bombas en Irak, pues no se da cuenta –tampoco el guionista ni la directora– que sin la consciencia y la actitud del heroísmo no puede existir tal cosa, pues solo queda el hombre-idiota o el hombre-máquina cumpliendo ciegamente la función para lo que fue adiestrado.

Decía el personaje de Tom Hanks en Rescatando al soldado Ryan, luego de negarse a asesinar a un nazi a sangre fría,que su misión era llegar vivo a casa con su familia. En esta película ocurre todo lo contrario, el héroe de guerra, que se siente el hombre más valiente del mundo por haber desactivado más de ochocientas bombas, no es capaz de quedarse con su familia y vuelve rápidamente a guerrear. El único argumento que da la película es un epígrafe que afirma que la guerra es una droga. Es posible que esto sea así para muchos soldados, pero el asunto es que la película en ningún momento se cuestiona por qué sucede esto y cuáles son sus consecuencias, simplemente lo propone como el acto último de heroísmo y patriotismo: abandonar la familia y volver a su vida temeraria (y ruedan créditos).

En una película titulada Soldado anónimo (Sam Mendes, 2005), el gran conflicto de los personajes es que fueron entrenados para guerrear y matar, pero por lo rápido que se desarrolló la primera guerra de Irak, en 1992, no pudieron hacerlo. Mendes no idealiza a estos soldados, sino que hace que el espectador sienta cierta simpatía por ellos, pero que también cuestione la forma en que les lavan el cerebro, así como lo cruel y absurdo de la guerra.

En la cinta de la Bigelow los soldados son mostrados como unos patriotas sometidos a un gran peligro por culpa de esos locos terroristas. Nunca, ni siquiera con un guiño, hace referencia al carácter de fuerza de ocupación que tiene el ejército de Estados Unidos, más ahora que todos saben que el argumento que inició la guerra, las supuestas armas de destrucción masiva, sólo fue una forzada excusa para la invasión.

Otras dos películas que entre sí están en las antípodas en su concepción, resultan mucho más honestas y críticas con este tema. Ya Brian de Palma con Pecados de Guerra (1989) había mostrado las arbitrariedades de este ejército invasor en Vietnam, y como queriendo hacer una puesta al día para demostrar que las cosas no han cambiado, hizo No me digas mentiras (2007), que muestra, de forma descarnada, la mentalidad de los soldados y sus abusos en la ocupación de Irak. La otra película es Tres reyes (David O. Russell, 1999), en la que su interés es simplemente hacer una cinta de acción, pero que también se muestra al ejército norteamericano como una fuerza de saqueo y atropellos.

Como estas tres películas ya hay decenas, pero como no tienen la visión heroica y patriotera de la cinta de Kathryn Bigelow, no tuvieron el mismo eco en la prensa y la Academia. Incluso los argumentos que la crítica estadounidense ha dado para afirmar sus cualidades tienen que ver más con el cine de guerra y de acción que con el tratamiento del tema. Pero aún en esto se trata de un filme con unas características cuestionables o apenas equiparables con las de muchos otros filmes.

Por ejemplo, el argumento no trasciende la sucesión de tensionantes (lo cual con bombas de por medio es fácil lograr) secuencias elementalmente articuladas unas con otras. No hay tampoco una sólida construcción de personajes más allá de los clichés, como los ya mencionados del héroe descerebrado o la relación que establece con el niño y su torpe intento de venganza cuando creyó que aquél fue asesinado. En cuanto al realismo de la puesta en escena y su concepción visual, se trata de otra película más que recurre a un estilo que ya se ha convertido en una tendencia y que, por no ir muy lejos, las películas antes mencionadas ya lo tenían.

Por todo esto, si de lo que se está hablando es de cine, Avatar, de James Cameron, es mucho más película, por su concepción visual –fundada, además, en adelantos tecnológicos propios–, por construir una historia más elaborada, por su intención de darle un trasfondo a sus personajes y por las ideas de contexto que maneja sobre la ecología y el imperialismo de las potencias. Al lado de todo esto, y por más reparos que se le puedan hacer al filme de Cameron, la película Zona de miedo es simplemente propaganda.

FICHA TÉCNICA

Título original: The hurt locker
Dirección: Kathryn Bigelow
Guión: Mark Boal.
Producción: Kathryn Bigelow, Mark Boal, Nicolas Chartier y Greg Shapiro.
Música: Marco Beltrami y Buck Sanders.
Fotografía: Barry Ackroyd. Montaje: Bob Murawski y Chris Innis.
Reparto: Jeremy Renner, Anthony Mackie, Brian Geraghty, Ralph Fiennes, Guy Pearce, David Morse.

La película está basada en la autobiografía Mi Vida en Francia de Julia Child, y el blog de Powell, Julie y Julia: 365 Días, 524 Recetas, y 1 pequeña cocina de apartamento en el que documentó sus días inspirados en las experiencias de cocina.

El primer largometraje basado en un blog, trata sobre todos los aspectos de la secretaria temporal Julie Powell que, con el apoyo de su marido Eric, establece en un año el objetivo de cocinar las 524 recetas en el libro de la famosa chef Dominar el Arte de la Cocina Francesa. Powell, cronica su aventura culinaria en un blog que se puso de moda con la comunidad culinaria. Mientras tanto, la película abarca los años em los que la chef Julia Child y su esposo Paul pasaron en París durante los años 1940 y 1950.

Meryl Streep y Stanley Tucci compartieron la pantalla como dos amantes de la moda en la comedia descarada El Diablo Viste de Prada, y es poco evidente que, tanto en pantalla como fuera, el dúo posee una química increíble. La Sra. Streep es, posiblemente, la mejor actriz de su generación, y ha recibido 15 nominaciones a los Oscar – más que cualquier otro actor en la historia del cine.

Sólo recientemente, sin embargo, Streep se ha convertido en una actriz taquillera, congraciándose con una nueva generación de fans, encantando como la princesa de hielo en El Diablo Viste de Prada y cantando y bailando a su manera el musical Mamma Mia!